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Diseñar un nuevo museo de arte para la Universidad de Harvard presenta requisitos que suenan como parte de un currículo universitario en sí mismo. El programa se presta al tipo de espacios luminosos que los arquitectos sueñan con crear; no sólo eso, el sitio del campus promete un tráfico constante y comprometido. Pero, a pesar de todas las ventajas aparentes, el camino hacia la realización de los Museos de Arte de Harvard fue complejo - uno que en última instancia tomó seis años para que se realizara.
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El primer indicio se encuentra en el nombre extrañamente plural de la estructura: Harvard Art Museums. El edificio pretende, en cierto modo, unificar varias colecciones anteriormente distintas bajo un mismo techo. La ubicación conjunta de las colecciones de arte germano, asiático y norteamericano de Harvard (por no mencionar las instalaciones dedicadas a la erudición en arte y conservación) significó no solo acomodar cada colección sino también racionalizar las organizaciones establecidas. Donde las cosas alguna vez fueron individuales, ahora son compartidas. La arquitectura tuvo que facilitar una curva de aprendizaje social no tan diferente a la que ocurre en los dormitorios universitarios cercanos.
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El nuevo diseño tuvo que lidiar con el desafío de hacerse cargo de un sitio existente. El esquema de RPBW tuvo que funcionar dentro de las estrictas limitaciones del Museo Fogg, un diseño protegido de estilo georgiano de la década de 1920 por Coolidge, Shepley, Bulfinch y Abbot. El edificio no podía volver a revestirse, ni había muchas oportunidades de expandirse hacia el exterior. En su lugar, se eleva, añadiendo varias historias de espacio y luz. Es un movimiento poco visible, apenas perceptible desde el nivel del suelo, pero sugiere estar dispuesto a ser parte de un campus en lugar de ser una pieza independiente. En un campus donde todo es especial, el edificio parece entender el valor del colectivo del campus: aprendemos mejor cuando aprendemos juntos.
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En el interior, se enfatiza aún más la analogía del campus. Los espacios interiores se organizan alrededor de un patio central existente (o, si lo desea, un patio), y la mayoría de los visitantes cruzan el espacio varias veces durante una sola visita. Es como si estuvieran saltando de clase en clase. Las colecciones, aunque aún están separadas, están entrelazadas por una circulación que sugiere más que dirige. Los visitantes pueden elegir su camino y aprender a su gusto.
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Es en la naturaleza académica del programa donde Renzo Piano propone un ajuste especialmente adecuado. Si bien el arquitecto italiano es quizás mejor conocido por sus diseños discretos y detallados, hizo su nombre con una racha rebelde que ahora damos por sentado. La naturaleza de adentro hacia afuera de su obra más famosa, Centre Pompidou (una colaboración con Richard Rogers) era en el momento de su construcción, poco convencional y provocativa en su contexto parisino conservador. En los museos de arte de Harvard, el motivo de la estructura expuesta se maneja tan sutilmente y, hasta ahora, es tan aceptado que pasa casi totalmente inadvertido. El flujo libre de espacio alienta (si no facilita) un flujo libre de pensamiento.
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Ya han pasado casi cuatro años desde que se completó el edificio, y es para toda una generación de estudiantes universitarios un elemento permanente en el campus. Pero si los ojos de los jóvenes estudiantes se deslizan más allá del edificio, esa es la fuerza del diseño, no su falla. La lección más esencial que uno puede aprender en la universidad, y la que no se enseña abiertamente, es cómo ser parte de algo más grande que uno mismo. Harvard Art Museums de RPBW entiende esto implícitamente. Su confianza inquebrantable en su diseño permite a los visitantes centrarse en su propósito educativo sin quedar atrapados en el arte de la arquitectura. Es una lección que todos podríamos hacer bien de aprender.
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